Nigel Sutcliffe Kurs-Review: Wie ich das Gelernte in Procreate & Aquarell angewendet habe

An einem Wochenende diesen Monats habe ich zwei Online-Kurse des Künstlers Nigel Sutcliffe belegt: A Beginner’s Guide to Color und Painting Expressive Color Studies with a Limited Palette.

Nigel Sutcliffes Stil zu unterrichten ist klar und leicht verständlich. Er hat mir geholfen, einige langjährige Unsicherheiten beim Mischen von Farben zu beseitigen — insbesondere, wie man mit Licht- und Schattenwerten innerhalb einer begrenzten Palette umgeht. Es ist genau die Art von Ansatz, die man sofort in die Praxis umsetzen kann.

In der Vergangenheit — besonders bei Medien, bei denen ich meine Farben selbst mische — ist es mir viel zu leicht passiert, dass ich einfach „realistische“ Farben nachgemalt habe. Die Ergebnisse wirkten am Ende meist ziemlich gewöhnlich und ließen die Harmonie vermissen. Nachdem ich Nigels Methoden angewendet hatte, habe ich aufgehört, zu viel nachzudenken, und mich stattdessen auf die reine Freude am Malen konzentriert! Das Experimentieren mit Farbpaletten auf Basis dieser grundlegenden Logik macht ehrlich gesagt richtig süchtig. ☺️

Hier sind einige meiner zusätzlichen Übungsstücke:

procreate

procreate

Aquarell

Nigel Sutcliffe verwendet Acrylgouache. Wenn du also Medien nutzt, die sich anders verhalten — wie Procreate oder Aquarell —, musst du deinen Ansatz ein wenig anpassen.

Als Nächstes möchte ich einige häufige Herausforderungen und Lösungen teilen, auf die ich beim Farbmischen in Procreate und Aquarell gestoßen bin, sowie Tipps zur Auswahl einer Grundpalette. 👇

Kurz gesagt: Egal, ob du mit einer monochromen, einer zweifarbigen oder einer dreifarbigen Palette arbeitest — die zwei entscheidendsten Faktoren sind Tonwert (hell und dunkel) und Farbtemperatur (warm und kühl).

Der Tonwert kann auch als wichtiges Gestaltungselement dienen, mit dem du den Blick des Betrachters genau dorthin lenken kannst, wo du ihn haben möchtest. Bereiche mit starkem Kontrast zwischen Hell und Dunkel ziehen beispielsweise ganz natürlich das Auge an. Aus diesem Grund beginnen viele Künstler zuerst mit einer Tonwertstudie (oder einem Thumbnail), um ihr Motiv zu analysieren oder die Komposition zu planen.

Versuche zu üben, indem du die Tonwerte vereinfachst — zum Beispiel, indem du nur drei oder vier Helligkeitsstufen verwendest. Schau dir die Objekte vor dir an: Wie hell sollte das sein? Wie dunkel? Ist es im Vergleich zum Objekt daneben kühler oder wärmer?

Sobald du diese vier Elemente — hell, dunkel, warm und kühl — im Voraus festgelegt und entschieden hast, welche Farben ihnen entsprechen, wird der eigentliche Malprozess viel einfacher. Wann immer ich jetzt unterwegs bin und einen freien Moment habe, übe ich, die Welt auf diese Weise zu beobachten. Für eine detailliertere Aufschlüsselung empfehle ich Nigels Kurse sehr oder die Suche nach passenden Inhalten auf YouTube. Oder du kannst mich natürlich auch jederzeit fragen! ☺️

Ich habe zuerst die Tonwerte auf ein High Key* eingestellt und mich für Lachsrosa entschieden, um ein warmes Gefühl zu gewährleisten; es dient als Untermalung für das gesamte Bild. Procreate hat eine Farbharmonie-Funktion namens „Dreiklang“ (Triade), die mir zwei weitere Farben vorgeschlagen hat, die perfekt mit dem Lachsrosa harmonieren. Ich behandle diese drei als meine Primärfarben — traditionell sind das Rot, Gelb und Blau, aber du kannst sie selbst neu definieren! Da diese Primärfarben sehr gesättigt und leuchtend sind, verwende ich für den Großteil des Bildes hauptsächlich Sekundärfarben und hebe mir die Primärfarben für Glanzlichter und Akzente auf.

Das Mischen von Sekundärfarben ist mit traditionellen Medien ganz einfach — man mischt einfach zwei Farben in unterschiedlichen Anteilen. Aber in der digitalen Kunst, wo man jede Farbe manuell auswählen muss, ist es schwer zu wissen, wie die Mischung tatsächlich aussehen wird, wenn man sie vorher noch nie gesehen hat. Um das zu lösen, nutze ich die Deckkraft der Ebenen, um die Ergebnisse zu simulieren. Mit Lachsrosa als Basis füge ich beispielsweise eine grüne Ebene darüber hinzu und passe deren Deckkraft auf 25 %, 50 % und 75 % an. Das imitiert den Effekt, als würde man der Lachsrosa-Basis unterschiedliche Mengen an grünem Pigment hinzufügen.

Durch das Überlagern von Weiß mit unterschiedlicher Deckkraft kannst du die Aufhellungen (helle Farbnuancen) für jede Farbe finden. Für die Schatten mische ich meine drei Primärfarben, um einen tiefen, dunklen Ton zu erzeugen, überlagere diesen dunklen Farbton dann auf die drei Farben und passe die Transparenz an. Ich empfehle die Verwendung von Pinseln mit integrierter Transparenz — zum Beispiel den Pinsel „Wet Glaze“ aus dem klassischen Malset oder den Pinsel „Ringaroona“ aus dem Basis-Set, während du die Deckkraft von drei verschiedenen Ebenen manuell anpasst.

Bedenke, dass dieser dunkle Ton zu der Farbe neigt, die oben liegt. Wenn du beispielsweise Violett über Lachsrosa legst und ganz oben Grün hinzufügst, erhältst du am Ende ein grünliches Dunkel. Als Künstler hast du die volle Kontrolle über die Farbtendenz deiner dunklen Töne — besonders weil deine drei Primärfarben ohnehin nicht auf traditionelle Farben der realen Welt beschränkt sind.

Hier ist meine Empfehlung für die Farbauswahl:

Entscheide dich für einen bläulichen Ton (da Schatten an einem klaren Tag typischerweise in einem kühlen Blau oder Violett liegen).
Beobachte den tatsächlichen Schatten vor dir — neigt er eher zu einer kühlen oder einer warmen Farbtemperatur? Passe das an die Temperatur deiner drei gewählten Farben an, um zu entscheiden, welche davon die oberste Ebene sein sollte.

Wenn diese drei Farben nicht dunkel genug sind, passe in deiner Farbpalette einfach den Tonwert dunkler und die Sättigung niedriger an, bis du diesen perfekten, tiefen Ton erhältst.

Bevor du überhaupt die Leinwand berührst, definiere die warmen und kühlen Bereiche für deine drei Farben (lege genau fest, wo auf dem Farbkreis „warm“ endet und „kühl“ beginnt). Stelle dir beim Malen ständig die Frage: „Ist das im Vergleich eher kühl oder eher warm? Wie hell oder dunkel ist es?“ Wähle deine Farbe dann einfach aus dem Bereich aus, den du bereits kartiert hast.

*Weitere Details zu High Key, Middle Key und Low Key findest du in diesem Video: How To Paint Like A Pro – Keys To Successful Painting.

Ich überprüfe die Tonwerte in meinen Arbeiten immer doppelt. Manchmal ist das Umwandeln eines Referenzfotos in Graustufen eine fantastische Möglichkeit, Licht und Schatten noch deutlicher zu beobachten.

Sobald du diese Grundlagen verinnerlicht hast, kannst du noch einen Schritt weitergehen: Fange an, verschiedene Farbpaletten zu erkunden und mit ihnen zu experimentieren — egal, ob sie aus einem Gemälde stammen, das du bewunderst, oder aus der natürlichen Farbwelt einer Szene direkt vor deinen Augen.

Ich habe drei Farben aus diesem Gemälde ausgewählt. Wenn du einen High-Key-Look kreieren möchtest, kannst du leuchtendere, gesättigtere Farben wählen.

Nach demselben Verfahren wie beim ersten Bild habe ich meine Farben geplant und mit dem Malen begonnen. Das Endergebnis der gewählten Palette zu sehen, hat ehrlich gesagt so viel Spaß gemacht! Es ist genau diese Prise Magie, die in mir den Wunsch weckt, einfach ewig weiterzumalen und immer neue Farbkombinationen zu erkunden.

Aquarell

Wann immer mir die Inspiration fehlt oder ich bei einer Farbpalette nicht weiterkomme, ziehe ich einfach ganz zufällig ein paar Farbstifte. Das ist eine fantastische Methode, um schnell eine Palette auszuwählen, bevor man das Haus verlässt — in diesem Beitrag zeige ich meine schnelle Methode zur Farbauswahl!

Auf dem Foto oben habe ich drei Farbstifte gezogen und genau diese Farben im Aquarell gemischt, um sie als meine Primärfarben zu nutzen. Stell sie dir als eine etwas „abgewandelte“ Version des traditionellen Rot-Gelb-Blau-Dreiklangs vor. Beim Rosa habe ich beim ersten Mal tatsächlich vergessen, Weiß hinzuzufügen, also musste ich es nochmal neu mischen!

Das Knifflige am eigenen Farbmischen ist, dass man jedes einzelne Mal wieder bei den Primärfarben anfangen muss — oder man mischt auf einmal eine große Menge an (wobei die Farbe allerdings austrocknen kann). Ehrlich gesagt: Wenn du das Budget dafür hast, ist der Kauf der passenden Farbtuben viel praktischer, und die Farben bleiben auch deutlich gesättigter!

Mein erster Versuch war nicht sehr erfolgreich; ich glaube, ich war einfach noch nicht an den Prozess gewöhnt. Vielleicht habe ich mich von meiner Faulheit verleiten lassen und den Schritt übersprungen, eine vollständige Tonwertreihe ordentlich anzumischen, oder die Farben sahen am Ende einfach schlammig aus. Es fühlte sich auch irgendwie „falsch“ an — da ich die Farben jedes Mal neu mischen musste, hatte ich das Gefühl, die Präzision zu verlieren und kein solides Fundament zu haben, auf das ich mich stützen konnte.

Beim zweiten Versuch hatte ich mich bereits an das Neumischen gewöhnt. Ich musste die neuen Primärfarben nicht einmal mehr vormischen; ich musste nur wissen, welche Farbe einen höheren Anteil in der Mischung brauchte. (Zum Glück war eine der Farben bereits fertig gekauft, sodass kein Mischen nötig war! 😂) Ich habe diesmal bewusst leuchtendere Primärfarben gewählt, weil ich verhindern wollte, dass das Bild zu matt oder schlammig wirkt.

Auf dem Foto habe ich Grün, Violett und Gelb ausgemacht. Ich wollte schon immer eine kühle, ruhige Atmosphäre einfangen, die von subtilen warmen Akzenten durchbrochen wird — das erzeugt eine so friedliche, entspannte Stimmung. Selbst in der Sommerhitze lässt das Malen mit kühleren Tönen alles erfrischend und leicht wirken. Um das zu erreichen, habe ich meine Grün- und Violetttöne mit kühlen Pigmenten gemischt, sodass Gelber Ocker mein einziges warmes Element blieb. Es passte perfekt zu meinem Plan. Letztendlich geht es bei der Farbauswahl um das „Gefühl“ des Motivs oder die bestimmte Emotion, die du vermitteln möchtest.

Im Aquarell werden hellere Tonwerte erzielt, indem man mehr Wasser hinzufügt. Auf Papier in Profiqualität führt das oft zu einem sauberen, transparenten Look, obwohl es sich manchmal etwas dünn oder uneinspiriert anfühlen kann. Dank der besonderen Textur dieses Papiers hat das Ganze jedoch eine romantische Qualität angenommen — fast wie feuchte Gouache. Für die dunklen Töne habe ich Komplementärfarben gemischt oder ein tiefes Blau hinzugefügt. Durch das Mischen aller drei Farben meines Dreiklangs habe ich ein beinahe schwarzes Grau erzeugt, das sehr reich wirkt, weil es diese gegensätzlichen Farbtöne enthält.

Ich habe mich ständig gefragt: „Ist das warm oder kühl? Wie dunkel oder hell sollte es sein?“ Ich finde das fertige Werk absolut wunderschön! (Ich hoffe, das liegt nicht nur daran, dass ich bei Violett befangen bin, haha — ich liebe Violett! 😆) Ich möchte daraus unbedingt eine Postkarte machen.