Wie wähle ich eine Farbpalette für eine Illustration aus?

Beim Thema Farbe gibt es immer noch mehr zu entdecken. Präferenzen, Erfahrungen und Perspektiven verändern sich in verschiedenen Lebensphasen, und sie alle beeinflussen die Farbwahl in Illustrationen. Die richtigen Farben auszuwählen ist schwer – ich empfinde das immer noch so und lerne ständig dazu. Aber gibt es selbst in dieser herausfordernden Situation eine Strategie, die als Ausgangspunkt für die Farbauswahl dienen könnte? Ich bin auch sehr neugierig, wie andere Illustratorinnen und Illustratoren an die Farbwahl herangehen.

Ich habe die beruhigende Farbpalette von Deer schon immer geliebt und wollte unbedingt mehr über ihren Ansatz bei der Farbauswahl erfahren. Deshalb habe ich an ihrem Online-Aquarellkurs auf Yotta teilgenommen: Illustrating Everyday Scenes | A Hand-Painted Guide to Creating a Cozy World. Zuerst hatte ich das Gefühl, dass der Kurs nicht besonders tief in die Farbtheorie eintaucht. Selbst nachdem ich ihn mir zum ersten Mal angeschaut hatte, war ich mir immer noch unsicher, wie ich Farben auswählen sollte. Aber ich beschloss, mich einfach auf Deers Prozess einzulassen und diese Ladenfronten trotzdem zu malen. Aus meiner bisherigen Erfahrung weiß ich, dass selbst Dinge, die anfangs einfach erscheinen, immer wertvolle Erkenntnisse bringen, sobald man erst einmal mit dem Malen beginnt. Während die Zeit langsam verging, vertiefte ich mich in die Details, beobachtete ganz still und entdeckte die feinen Nuancen und Veränderungen im Kunstwerk. Bevor ich mit dem Malen begann, schaute ich mir den Abschnitt über die Farbauswahl noch einmal an. Da wurde mir klar, dass Deer keine starren Theorien vermittelte, sondern eher eine grobe Richtung – ein Kernkonzept: das Bewahren der Farbbalance.

„Die Farbbalance zu bewahren“ mag wie eine einfache Phrase klingen, aber wenn man genau darüber nachdenkt, beinhaltet es in Wahrheit unzählige schwierige Entscheidungen. Jede Entscheidung, die Kunstschaffende während des kreativen Prozesses treffen, ist eine Mischung aus Rationalität und Intuition, die die Elemente eines Bildes beeinflusst. Es ist ähnlich wie Autofahren zu lernen – wenn man vor der Straße vor einem steht und nach rechts abbiegen muss, wie weit muss man dann lenken? Wie groß sollte der Winkel sein? Darauf gibt es keine eindeutige Antwort. Es ist ein Prozess, bei dem man Erfahrung sammelt und seine Anpassungen kontinuierlich verfeinert, bis man ein intuitives Gespür für die richtige Bewegung entwickelt.

Wenn wir malen, streben wir oft nach Balance. Allerdings hatte ich die Farbauswahl vorher noch nie unter dem Aspekt des Gleichgewichts betrachtet – früher dachte ich dabei eher an die Komposition. Ich finde das Konzept, „die Farbbalance zu bewahren“, sehr praktisch, weil es als Leitprinzip dient, während der eigentliche Ansatz vom persönlichen Geschmack abhängt. Schließlich nimmt jeder Mensch Farben anders wahr und hat Vorlieben für ganz eigene Farbschemata. Einige Kunstschaffende bevorzugen beispielsweise hochgesättigte Farben, die wie lebendige, springende Musiknoten wirken.

Beim Malen fing ich dann an, über das Konzept der „Balance“ nachzudenken und es zu erforschen. Unter Deers Anleitung habe ich diese drei kleinen Laden-Illustrationen fertiggestellt. Vor dem Malen habe ich beobachtet, welche Gefühle die Läden in mir auslösten, und mir überlegt, was ich über jeden einzelnen Laden vermitteln wollte. Da es sich um Illustrationen von real existierenden Geschäften handelt, habe ich mich an den Farben der Ladendekoration orientiert. Beim Malen stieß ich jedoch auf ein paar Fragen: In der ersten Illustration beispielsweise bestehen das Schild, die Tür und die Fenster alle aus Holz und nutzen einen Braunton. Aber Braun gibt es in den verschiedensten Nuancen – dunkel, hell, mit gelblichen oder rötlichen Untertönen. Wie sollte ich entscheiden, welche Farbe ich in welchen Bereichen verwende?

Ich verstehe das so: Wenn ich mich bei einem Coffeeshop aus Holz zuerst dafür entscheide, dass die Fensterrahmen ein Gelbbraun bekommen, dann sollte die Tür ein Rotbraun erhalten. Wenn ich dann auch noch für den Bereich über der Tür eine hellere Farbe verwende, würde die Mitte der Illustration etwas zu eintönig werden, und die Aufmerksamkeit des Betrachters könnte stattdessen auf das dunklere, braune Schild gelenkt werden. Das tiefgründige Schild und das Rotbraun der Holztür gleichen sich gegenseitig aus. Die Wand ist weiß und das Innere dunkel. Auch die Pflanzen haben eine Mischung aus kühlen und warmen Grüntönen. Ähnlich würde ich bei dem Restaurant, dessen Wände dunkel sind, vermeiden, die Tür- und Fensterbereiche zu dunkel zu gestalten, damit die gesamte Komposition nicht zu schwer wirkt. Die Holztür ist hier in einem Rotbraun gehalten, während die Fußmatte ein kühles Rot hat. Im Grunde genommen nehme ich Anpassungen vor, indem ich eine Strategie aus unterschiedlichen Nuancen und Warm-Kalt-Kontrasten anwende, während ich mich gleichzeitig an den realen Farben orientiere.

Später habe ich fünf Fotos aus meinen Reisebildern ausgewählt, um sie zu malen. Das waren alles Fotos, die ich gemacht hatte, weil sie mich berührt hatten, die dann aber in einer kleinen Schublade auf meiner Festplatte landeten und nie wieder angeschaut wurden. Durch das Malen konnte ich sie mir noch einmal genau ansehen und neu wertschätzen. Dabei habe ich ganz unverhofft auch die Geschichten entdeckt, die diese Häuser selbst erzählen. Unten findest du weitere Beispiele, in der Hoffnung, das Konzept der Farbbalance noch besser zu verstehen.

Jetzt müssen wir das im Kurs gelernte Wissen anwenden und selbst eine Farbstrategie austüfteln! Nehmen wir zum Beispiel die Löwen-Apotheke unten links: Ich mag die romantische Farbpalette des Gebäudes sehr, deshalb habe ich während des gesamten Prozesses darauf geachtet, die Farben nicht schlammig oder stumpf werden zu lassen, und hochgesättigte Farben vermieden. In der Aquarellmalerei gibt es drei Techniken, die helfen, Farben nicht zu aufdringlich wirken zu lassen. Erstens: Komplementärfarben leicht beimischen. Zweitens: Die Farbe mit Wasser verdünnen. Drittens: Etwas deckendes Deckweiß (Gouache) hinzufügen. Hier habe ich ein wenig weiße Gouache verwendet, um die Farben in ein sanftes Rosa, ein helles Grün und ein helles Blau zu verwandeln.

Eine Sache, bei der ich gezögert habe, war das Graublau in den Schattenbereichen – sollte ich ein kühles oder ein warmes Blau wählen? Letztendlich habe ich mich für kühle Blautöne wie Azuritblau oder Cölinblau entschieden, statt für ein warmes Blau wie Ultramarin. Der Grund dafür ist, dass die Wand insgesamt, das Dach und die Beschriftung des Schildes in warmen Tönen gehalten sind, weshalb ich mich für etwas kühles Blau entschieden habe, um ein Gleichgewicht zu schaffen. Natürlich würden manche Illustratoren vielleicht einen komplett warmen Ton wählen, und ich denke, das ist genauso völlig in Ordnung, weil auch das eine Ausdrucksform ist. Vielleicht spiegelt es die innere Leidenschaft und Intensität eines Künstlers wider. Da die Wände eine sanfte Wirkung haben, habe ich dem Dach eine dunklere Farbe gegeben, um etwas Kontrast und Tiefe zu erzeugen.

Genau diese Strategie habe ich auch auf das Restaurant Fox Nest auf der rechten Seite angewendet. Ich hatte die „Balance“ die ganze Zeit im Kopf, habe den aktuellen Zustand des Bildes kontinuierlich überprüft und erst dann über die Farben entschieden. Deshalb habe ich auch langsam gearbeitet. Jedes Mal, wenn ich male, fühlt es sich wie ein Puzzlespiel an. Innerhalb bestimmter Grenzen finde ich Lösungen, Wege, die Szene darzustellen, und treffe meine Entscheidungen.

Werde kostenloses Mitglied auf Patreon, um Folgendes zu sehen: Painting Process｜Löwen Apotheke

Für das Fachwerkhaus im Bild unten links habe ich ein recht kräftiges Orangerot verwendet, was den ursprünglichen Eindruck beibehalten hat, den ich von dem Gebäude hatte. Da es an diesem Tag sonnig war, habe ich mich ganz natürlich für hellere, gesättigtere Farben entschieden. Für das Erdgeschoss habe ich ein verdünntes, kühles Rot und ein sanfteres Rosa genutzt. Während der Fokus des Betrachters auf dem markanten oberen Holzfachwerk liegt, verhindert das zusätzliche visuelle Gewicht im unteren Bereich, dass die gesamte Komposition kopflastig und unausgewogen wirkt. Es ist ein bisschen so, als würde eine Person voller Freude in den Himmel fliegen wollen, während eine andere sie an den Beinen festhält, um sie auf dem Boden zu halten.

Rechts, im Erdgeschoss des Ladens, gab es eine Farbe, mit der ich so meine Schwierigkeiten hatte: ein schlammiges, tiefes Erdgelb. Der eigentliche Laden hatte an diesem Tag geschlossen, weshalb das Erdgeschoss sehr düster war und die Wände alt wirkten, durchzogen von großen, rot umrahmten Linien. Später beruhigte ich mich selbst mit dem Gedanken, dass es sich zwar um ein Erdgelb handelt, Gelb und Grün aber analoge Farben sind, die harmonische Kombinationen bilden – ich brauchte also keine allzu große Angst davor zu haben. Mein Ziel war es, eine gewisse Helligkeit im Erdgeschoss beizubehalten. Meine Anpassung bestand darin, die kräftigen roten Linien etwas abzumildern und die beiden Türen sowie das Fenster in der Mitte durch unterschiedliche Nuancen und Warm-Kalt-Kontraste von Braun voneinander abzugrenzen. Das Licht im Fenster habe ich komplett eingeschaltet gelassen, um es heller zu machen; so entstand eine Verbindung zum Obergeschoss, damit es sich nicht wie zwei getrennte Teile anfühlt. Für das Obergeschoss habe ich Rosa verwendet, um eine charmante, niedliche Wirkung zu erzielen, und einige blaue oder kühl-gelbe Akzente gesetzt, um die Balance zu halten.

Für die dunkleren Bereiche in diesem Bild unten habe ich kein zu tiefes Dunkel gewählt, sondern stattdessen ein angenehmeres Graublau als Ersatz verwendet. Von der Grundfarbe bis zu den Dekorationen an den Wänden habe ich immer auf das Gleichgewicht von warmen und kühlen Tönen geachtet. Obwohl Orange und Blau Komplementärfarben sind, konnte ich durch diese Anpassungen eine weichere Wirkung anstelle eines starken Kontrasts erzielen.

Nachdem du dir so viele Beispiele angeschaut hast: Hast du nun eine klarere Vorstellung von der Farbauswahl? Ich finde, man kann sich jedes Element in der Szene wie das Mitglied eines Orchesters vorstellen. Jedes Instrument, zu welchem Zeitpunkt und wie laut oder leise es spielen soll – es liegt an dir als Dirigent oder Dirigentin, die Musik harmonisch klingen zu lassen.

Zusammenfassend lässt sich sagen: Um ein ausgewogenes Farbschema zu erreichen, musst du während des Malens ständig beobachten und entsprechende Anpassungen auf Basis von Farbton, warmen und kühlen Tönen, Hell-Dunkel-Kontrasten sowie der Sättigung vornehmen.

Die oben genannte Methode bezieht sich auf eine Farbauswahl, die auf realen Farben basiert. In der Welt der Illustration gibt es jedoch auch die Situation, dass wir keine realistischen Farben verwenden – das bedeutet, dass wir nicht immer die Farben nachbilden müssen, die wir im Alltag sehen. Wir können die Anzahl der in einer Illustration verwendeten Farben begrenzen, beispielsweise auf zwei oder drei Farben. Aber Deers Konzept der Balance gilt auch hier.